El reportaje de Elena Morales podemos ¡verlo y escucharlo! en este enlace de Radio Valencia Cadena SER.
Vicente Gracia y Hannah Carnegie representan en València el proyecto ShineOnCollective.net, un proyecto de diseño solidario, que nace que voluntad de ayudar. ¿A quién? A uno de lo colectivos más desfavorecidos de la pandemia, a los más pequeños. El diseño nace para ayudar y las maneras son infinitas.
Estos diseñadores aceptaron la invitación de la diseñadora norteamericana Gogo Ferguson al comienzo de la pandemia, sumaron al equipo a la diseñadora de Reino Unido Hannah Martin, y decidieron que donarían un 20 % de las ventas realizadas on line a Unicef USA, para colaborar con los proyectos que la ONG desarrolla por todo el mundo. Los cuatro diseñadores, que crean piezas únicas de joyería de manera artesanal, quieren ayudar con lo que saben hacer, con su trabajo diario, con sus creaciones.
Un momento de la entrevista en el espacio de Vicente Gracia (calle de la Paz, 4 València).
Durante la entrevista la periodista visitó al taller de Vicente Gracia y pudo conocer cómo es el proceso de diseño en Vicente Gracia Joyas. El diseñador le explicó cómo el equipo ejecuta sus creaciones y también como mejora el resultado a lo largo del proceso.
Desde FeelingLab trabajamos para dar a conocer las fortalezas de los proyectos que comunicamos, y para que el mensaje llegue a cuantas más personas. El apoyo de los medios de comunicación on line y off line es fundamental. Desde aquí damos las gracias a todos los periodistas que nos escuchan.
Gracias a la aportación de un colaborador del proyecto ShineOnCollective.net —proyecto cuya comunicación internacional gestionamos desde Feelinglab.com— nuestra base de datos acaba de sumar un total de 615 periodistas de medios de comunicación generalistas del estado de Nueva York, y 143 periodistas especializados en tendencia y moda. Mejoramos nuestras posibilidades de comunicación de proyectos y superamos en nuestra BBDD los 2.400 contactos.
Los nuevos contactos nos llevan directamente a compañeros periodistas que forman parte de las redacciones de los medios referentes e influyentes en la ciudad de Nueva York como el New York Times, The New York Times Style Mag, New York Post, The Observer, Bloomberg, the Tribeca Trib, Town & Village, Brooklyn Spectator,…, contamos con nuevos contactos de periodistas en medios presentes en ciudades como Buffalo —la segunda ciudad más grande del estado de Nueva York— (Buffalo News y South Buffalo News), en Southampton —población del condado de Suffolk Nueva York— (Southampton Press), condado de Putnam (Putnam County News), o Niagara Gazette. Y también con periodistas de medios influyentes en la comunidad latina como La Voz Hispana, El diario-La Prensa. Que sumamos a los medios en EEUU, impresos, TV y on line, con los que mantenemos excelentes relaciones como son Radio Kingston NY, Hola! TV —canal de televisión por suscripción latinoamericano de origen español , dirigido al público femenino, y creado por la revista ¡Hola! y Atresmedia, el grupo audiovisual español propietario de Antena 3.
También sumamos 143 periodistas especializados en tendencias/lifestyle y moda
Nuestra base de datos, que sin estas incorporaciones contaba con más de 1.700 medios de comunicación, generalistas y especializados en diseño, arquitectura, tendencias, sostenibilidad y medioambiente, economía y cultura, españoles e internacionales, impresos y on line, desde ahora suma también un total de 143 periodistas especializados en tendencias/lifestyle y moda.
Una sólida base de datos que nos permite seguir comunicando proyectos en España e internacionales de toda índole, ya sean especializados en diseño y en sus productos, como en las carreras profesionales de los diseñadores, proyectos empresariales, arquitectura, tendencias, sostenibilidad y medioambiente, economía y cultura.
Recientemente una palabra, mejor dicho el final del nombre de una empresa, su última sílaba, HAUS, trajo a mi mente a la «BAUHAUS». Sentí la necesidad de refrescar la motivación de la mítica escuela, y en su perfil de Wikipedia me tropecé con lo que dejó por escrito su fundador:
«Arquitectos, escultores, pintores, … debemos regresar al trabajo manual … Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a las clases sociales y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas» (Walter Gropius)
La Bauhaus en una especie de alegoría reivindicaba la vuelta a los orígenes, al principio de todas las cosas. Al trabajo manual. Hace ya 100 años que la Bauhaus sentó las bases de lo que hoy conocemos como diseño industrial y diseño gráfico. Una escuela que fue vanguardista hasta en el equilibrio de género. Las alumnas de la escuela fueron, inicialmente, la mitad de su alumnado. Tres mujeres de reconocido prestigio internacional se formaron en aquella institución: Lotte Stam-Beese, Annemarie Mauck y Wera Meyer-Waldeck.
Del interior y el exterior de la vivienda
Pau Pedragosa, arquitecto y doctor en Filosofía, en su artículo «Arte y vivienda. La Bauhaus y la modernidad» (2003) busca entender «qué papel juega la vivienda en un siglo marcado por las transformaciones científicas, técnicas, sociales y económicas más profundas que nunca ha habido». Destaca el autor que «el objetivo de la Bauhaus fue transformar una sociedad escindida entre lo privado, el interior (la vivienda, el espacio vital) y lo público, el exterior (la sociedad, el espacio del trabajo) y convertirla en una sociedad orgánica a través de la obra de arte total… la arquitectura puede hoy en día proponer un tipo de espacio, el espacio vital, que no sea sólo el del interior de la vivienda, sino un espacio existencial que supere la distinción entre privado y público, interior y exterior».
Logotipo de la Bauhaus, diseñado en 1922 por Oskar Schlemmer
Y esa reflexión unida a la fuerza del logo de la Bauhaus, en el que ya sitúa al individuo en el centro como un nuevo alegato de intenciones, me lleva hasta nuestros días. A esta extraña época en la que vivimos. En la que parece que todo se haya puesto del revés. Boca abajo. En la que el individuo parece cobrar protagonismo, por la desgracia de la pandemia. Y en la que las cuarentenas preventivas parecen situar también en el foco los «espacios vitales», esto es el interior y el exterior de las viviendas, en las viviendas que cuentan con ese espacio privilegiado al exterior.
En este último año parece que lo básico cobra mayor protagonismo. Lo simple. Lo sencillo. Nos miramos y nos recordamos a nosotros mismos que queremos vivir. Muchos reivindican ‘lo básico’ y miran a la naturaleza. Nuestras montañas, calles y espacios al aire libre cobran mayor protagonismo que nunca. No hay más que salir para comprobarlo. Son objeto de deseo.
¿Y qué está ocurriendo en nuestras casas?
Los meses de obligada cuarentena —los pasados y tal vez los futuros— han marcado un importante punto de inflexión en nuestra manera de pensar. Nuestro hogar parece haber cobrado una nueva dimensión. El individuo mira hacia su «espacio vital» con mucha más intensidad e interés que antes.
¿Y en qué se está traduciendo todo esto? Esta misma semana hablaba con una empresa líder en mobiliario de exterior y en equipamiento de algunos complementos de interior, y mi interlocutor me reconocía con satisfacción que si en un primer momento del Covid-19 estuvieron muy preocupados por el impacto en la empresa, por la incierta situación que a todos se presentaba, la realidad actual está siendo muy distinta para ellos. Están ‘tranquilos’. Y lo están porque desde que llegó la pandemia han aumentado sus ventas. Tanto de mobiliario de exterior como de complementos para el interior. Y me contaba que no solo les ocurre a ellos. Me hablaba de que algunos proveedores suyos, especializados en vestir la casa, no solo habían aumentado sus ventas, si no que actualmente estaban duplicando su facturación, y les ocurre desde que va toda esta locura de la pandemia.
Junto a los alimentos de primera necesidad y la salud, un nuevo actor cobra protagonismo de manera indiscutible en esta pandemia y es nuestro «espacio vital», ese que tantos nombres tiene: piso, estudio, chalet, apartamento, bungalow, masía, casa. Y la crisis que se cierne sobre muchos se presenta como una oportunidad para otros.
El espectáculo musical ‘Este tango habla por mí’ es el resultado de un proyecto musical que arrancó durante el confinamiento de marzo a mayo de 2020 y que suma muchas horas de trabajo por parte de este grupo de artistas, bailarines y músicos. Los primeros ensayos fueron de manera virtual durante la cuarentena. Y así fue como pusieron en común la dirección artística y musical del espectáculo, y también —entre Skype y Skype— ajustaron sus tiempos para que todo saliese impecable, con un único objetivo, lleva el mejor tango al público en cuanto pudiese ser.
Este trabajo por fin ha visto la luz. Lo que el lunes vimos en el Teatre Talia fue un espacio dedicado a la cultura con importantes medidas de seguridad por el Covid-19. Con un publico cuyas edades iban desde los 35 a los 70 años. Y también vimos mucha afición por el género del tango en la ciudad de València. Un evento que si bien llega en un momento difícil para la cultura por la actual pandemia, en palabras de su directora artística Analía Bueti, ‘espero que sirva como ejemplo de que si bien la cultura no debe parar, en cualquiera de sus manifestaciones, debemos seguir confiando en todos estos escenarios y en otros entornos seguros para seguir generando futuros proyectos culturales’.
La música, el baile y el tango vuelven en octubre al Teatre Talia
NOTA DE PRENSA (1)
Con el sector de la Cultura en alerta roja, la empresaria Analía Bueti da un paso al frente y se lanza con nuevo espectáculo de música, baile y tango, en el que lleva la dirección artística y pone la voz
El Talia se transformará el próximo 26 de octubre en un escenario digno de los propios teatros de Buenos Aires
15 de octubre de 2020— Analía Bueti, directora del Festival Internacional de Tango de València «Desde dos Orillas», presenta en el Teatre Talia un renovado espectáculo musical: «Este tango habla por mí». La artista y empresaria da un paso al frente en este especial momento también para el mundo de la cultura, ante la difícil situación que atraviesa el sector por la Covid-19. Cantante de tangos de origen porteño, afincada en València desde hace casi 20 años y reconocida en la escena del tango Internacional, nos mostrará junto al resto de la compañía, su lado más personal.
Bueti, cuya trayectoria viene avalada por la Embajada de la República Argentina en España, por ser una de las principales promotoras del tango en España, en este espectáculo estará acompañada de tres destacados músicos: el pianista y compositor marplatense Mariano Siccardi; el prestigioso bandoneista Orlando Dibelo, considerado entre los mejores de Europa; y el violinista uruguayo Emiliano Pérez. Y en el arte del tango bailado, dos parejas de bailarines: Débora Godoy y Carlos Guevara; y Malena More y Jose García Arte.
Como explica Analía Bueti: «Es un espectáculo que llevo al Talia en un momento muy especial tanto para la cultura como para las personas y sus relaciones personales con los demás. ¿Y qué nos aporta el Tango en estos momentos y qué aporta a València? Es un género que transmite emociones, que se palpan en el ambiente. Es capaz de provocar una profunda conexión emocional. Y el día 26 de octubre el tango llegará al Talia como un gesto de amor a todos y a nuestro público, ahora que tan lejos nos quedan los abrazos entre amigos y seres queridos».
Un final muy participativo
Junto a la ópera y el hip-hop, el tango es uno de los géneros musicales de mayor repercusión internacional. En «Este Tango Habla por mí» Analía Bueti anuncia que el espectáculo concluirá con un homenaje al público: «vamos a involucrar al público» y añade que habrá tango pero también valses y milongas, todo envuelto en baile y efectos especiales.
Formada con grandes figuras del tango de Argentina como la gran María Graña y la cantante argentina Noelia Moncada, Analía Bueti es además la creadora y directora del Ciclo Estival de Tangos en el Castillo de Cullera y del ciclo dedicado a la mujer: «Les dones i el tango». En 2018 representó junto a Mariano Siccardi y a Emiliano Pérez, a la Comunidad Valenciana en la Cumbre Mundial de Tango celebrada en Melilla. Ha participado en numerosos festivales de música en la Comunidad Valenciana y por toda Europa y África.Analía Bueti, una mujer argentina que descubrió su pasión por el tango en València.
Datos espectáculo
Fecha: Lunes 26 de octubre de 2020
Lugar: Teatre Talia (c / Caballeros, 31. València)
15 de octubre de 2020— El diseñador español Vicente Gracia, las norteamericanas Hannah Carnegie y Gogo Ferguson y la británica Hannah Martin, todos ellos prestigiosos diseñadores de joyería reconocidos internacionalmente, han dado un paso al frente en tiempos Covid-19. Han creado la plataforma shineoncollective.net para donar un 20 % de sus ventas on line a Unicef. Para el valenciano Vicente Gracia este proyecto simboliza la unión de cuadro diseñadores con estilos muy distintos pero con un mismo sentido de responsabilidad. «Un proyecto que nos inspira en nuestras creaciones diarias», afirma.
Conocer el trabajo de Vicente Gracia permite descubrir un universo secreto y mágico que profundiza en las raíces de la cultura española y mediterránea. Sus creaciones exclusivas diseñadas desde la ciudad de València (España) recogen la esencia del Mediterráneo y conectan con el alma femenina. Su última creación, “Mare Nostrum”, refleja la quintaesencia de su trabajo. El conjunto da forma a dos Medusas que llevan por cuerpo dos ópalos Boulder del color azul de las aguas de Formentera; y por cabezas, el León Africano y el Vellocino de Oro… las dos orillas del Mediterráneo. Como tentáculos las serpientes que simbolizan el infinito y albergan la pasión, representada por dos ópalos de fuego.
Hannah Carnegie nos sorprende con su primera colección de edición limitada, «La arquitectura de los insectos», inspirada en la diversidad de formas y colores presentes en los coleópteros (escarabajos), que cuentan el mayor número de especies del reino animal. Cada una de sus piezas está numerada y hecha a mano, y utiliza diamantes y piedras preciosas. Su trabajo nos permite disfrutar de la belleza de la arquitectura de los insectos, inspiración que le viene de su infancia vivida en la isla de Cumberland (USA), un parque nacional al norte de Florida.
Gogo Ferguson aporta al grupo la experiencia de una trayectoria de más de tres décadas que arranca también en Cumberland. Sus diseños están fuertemente inspirados en la flora y fauna de la isla, en sus tortugas, cocodrilos, pájaros y las conchas que llegan a la orilla. La diseñadora nos La diseñadora nos presenta la colección «Sea Oats» en plata dorada y esterlina, así como su nueva pieza inspirada en las algas marinas que conforma un collar de alpaca oxidada (una combinación de cobre, níquel y zinc). La británica Hannah Martin acaba de lanzar su última colección, «A new act of rebellion», en una clara demostración de fuerza e insurrección, dos de las principales características de su trabajo. Una colección inspirada en los códigos del diseño punk que llega «en un momento en que el mundo entero necesitaría una catarsis», explica Martin.
Para Vicente Gracia «una joya, además de ser belleza y proporcionar felicidad, representa el amor, la paz, la amistad, y puede evocarnos a personas queridas, y con este nuevo proyecto adquirir una joya se convierte también en un gesto de solidaridad con los colectivos más desfavorecidos’. Por su parte Hannah Carnegie destaca: «queremos devolver a la comunidad lo que esta nos brinda, sobre todo a los niños y a las niñas que más sufren, y por eso impulsamos este proyecto solidario».
En este sentido, los cuatro diseñadores quieren resaltar la labor y los proyectos que Unicef impulsa en todo el mundo, como es el caso de Unicef Perú y sus trabajos con las comunidades indígenas de Ucayali, el equipamiento a hospitales a cargo de Unicef Venezuela y el reparto de kits de bioseguridad en las comunidades indígenas de Unicef Bolivia. «Creemos que es el momento de unirnos. Para salir de esta difícil situación que atraviesa la humanidad debemos apoyarnos los unos a los otros. El mundo se enfrenta a un enemigo común y sólo podemos luchar y ganar si compartimos una visión y objetivo comunes», explica Hannah Carnegie, en nombre del colectivo.
Dossier de prensa: shorturl.at/bjq05
Acerca de los diseñadores
Vicente Gracia
Vicente Gracia nació el 8 de marzo de 1961 en València, una ciudad mediterránea que alberga una rica tradición en el arte de la orfebrería y la platería. Vicente es uno de los principales exponentes del diseño español de joyas. Considerado como uno de los 20 joyeros más prestigiosos de todo el mundo, su trayectoria ha sido reconocida por Vogue y por los principales especialistas en joyas —Christie’s—. Galardonado con el Premio Nacional de Diseño (1986), el Premio Nacional de Artesanía (2014) de España y el Premio Internacional de Joyería de la Ciudad de València (1988), cuenta con importantes clientes, así como instituciones oficiales y casas reales. Vicente Gracia representa la esencia de las culturas mediterráneas.
Hannah Carnegie
Hannah tiene un talento inconfundible y propio transmitido a través de generaciones de la familia Carnegie, desde su residencia en Cumberland Island, Georgia, EE.UU. De niña estaba completamente inmersa en el día a día de la vida en la isla junto a su madre, la reconocida diseñadora de joyas Gogo Ferguson, y su abuela, la matriarca de la isla, la abuela Lucy Ferguson. A los trece años, su primera colección «no oficial» se preestrenó en las pasarelas de Nicole Miller en NYC. Desde entonces, Hannah ha perfeccionado su oficio en la firma del negocio materno, Gogo Jewelry, que ha dado como resultado múltiples exposiciones de museos como el Museo Superior de Atlanta (hermanado con el Louvre de París) y ha participado en algunos de los principales programas de televisión de EE.UU. Sus diseños evocan la naturaleza y son la expresión de la flora y fauna.
Gogo Ferguson
Gogo Ferguson diseña sus piezas homónimas desde su casa en Cumberland Island, Georgia, desde hace más de tres décadas. Quinta generación de la conocida familia Carnegie, que compró la mayoría de la isla de Cumberland a finales de 1800 y más tarde donó la mayor parte de la tierra a los Parques Nacionales de los Estados Unidos en la década de 1960. En enero de 2013, el High Museum de Atlanta honró a Gogo con una exposición «Gogo: Nature Transformed» en la que durante ocho meses presentó la evolución de su trabajo. Ella y sus diseños han aparecido en Sunday Morning de la CBS, Town & Country, Garden & Gun, The New York Times y Coastal Living,…
Hannah Martin
Hannah Martin nació en Reino Unido en 1980, en un momento en que Inglaterra estaba siendo convulsionada por una contrarrevolución social, cultural y política, y la música de nueva ola emergió a raíz del post-punk. Hannah Martin ha creado colecciones de joyería de pasarela en colaboración con marcas de ropa de lujo como Martine Rose SS19, Edward Crutchley AW17 y Hussein Chalayan AW12 & SS13. Más allá de la joyería, Hannah ha diseñado ensignias para el Festival de Diseño de Londres y piezas para Grey Goose Vodka y Hendricks Gin.
El colectivo ShineOnCollective está integrado por cuatro destacados diseñadores de joyas: las norteamericanas Hannah Carnegie y Gogo Ferguson, la británica Hannah Martin, y el internacionalmente reconocido diseñador de València (España) Vicente Gracia. Y los cuatro quieren aportar su granito de arena y contribuir, a través de sus ventas on line, a donar un 20 % a Unicef USA.
Hablamos con Pau, uno de nuestros diseñadores, especialista en definir guías de estilo para instituciones públicas, y hablamos con él sobre la importancia que tiene elaborar una Guía de Estilo o Manual de Estilo. Disponer de este recurso permite a las empresas y a las instituciones unificar el diseño de sus memorias anuales, de sus informes de Responsabilidad Social Corporativa (RSC). Una Guía de Estilo permite dejar pautada una línea coherente y unificadora de cómo queremos que sean las futuras publicaciones de nuestra empresa, de nuestra institución. — ¿Pau, cuándo debe una empresa o una institución hacer una Guía de Estilo o un Manual de Estilo?: Yo diría que cuando una empresa comienza a dar sus primeros pasos debe definir su imagen. Comenzar con una Guía de Estilo es importante. Pero en realidad cualquier momento es bueno si todavía no se tiene. Si se trata de una institución madura es fundamental tener una Guía de Estilo para conseguir una coherencia de estilo, imagen. Hablamos del concepto de adquirir una imagen corporativa, algo que viene de lejos, que arranca en el periodo de entreguerras. Sus pioneros fueron empresas como Olivetti, CBS y AEG. Estas empresas visualizaron la importancia de diseñar una imagen coherente que las representara, de lo contrario se pierde fuerza comunicativa e incluso yo diría que hasta credibilidad. Tanto una Guía de Estilo como un Manual de Identidad corporativa —este último mucho más amplío y engloba a las guías de estilo— refuerzan a la empresa, a la marca y son fundamentales para una buena reputación. En cuanto a las pautas que fija una Guía de Estilo, estas deben extenderse a cualquier elemento de comunicación de la empresa desde la papelería básica, a las tarjetas de visita, la web y por supuesto sus memorias, informes y publicaciones anuales. Y tan importante es tener esa Guía de Estilo como seguirla. — Hablemos de los aspectos que atiende toda Guía de Estilo, desde sus páginas a las retículas: La retícula es muy importante porque guarda el contraste entre mancha de texto y blanco de página. La retícula nos aporta el orden y estructura de cada página y gracias a una buena retícula —algo que usó muy bien la Escuela Suiza en su evolución de la Bauhaus— conseguimos ordenar bien el espacio. Los clásicos la usaban como base del diseño pues la retícula sirve para ordenar el espacio. La retícula ayuda al ojo a encontrar y leer todo de manera más fácil. Facilita la comprensión del mensaje que se quiere dar. — ¿Algún consejo a lo hora de abordar las familias tipográficas? El más importante es decantarse por la sencillez, que es clave para facilitar la lectura del documento al receptor y también facilitar el trabajo al futuro diseñador que tenga que maquetarlo. Cuando hablo de sencillez me refiero a usar de manera sencilla el conjunto de la familia tipográfica escogida. El diseño cuanto más sencillo mejor comunica el resultado. La tipografía denota mucho. Es dificilísimo elegir la más adecuada. Cada tipografía lleva adherida un mensaje. Por ejemplo, para un informe económico yo recomendaría tipografías más técnicas como una Univers, Helvética, Din… Esta última se creó para textos técnicos, libros de instrucciones… Para un Manual de Identidad Corporativa o para una Guía de Estilo nunca utilizaría una tipografía de difícil lectura, me gusta la Helvética —muy usada— y la Din. Por ejemplo, las botellas de productos farmacéuticos desde siempre han utilizado la Helvética por su sencillez y contundencia. En general, a la hora de la elección es importante conocer bien quién es el cliente, cuál es el mensaje que quiere trasladar, la imagen que quiere dar, etc. Todo eso condiciona la elección de la tipografía, que podrán ser más duras y contundentes o más redonditas y orgánicas… — ¿Cómo facilitamos al cliente que participe de la decisión a la hora de elegir la gama de colores, los estilos de textos, de gráficas, tablas, mapas… ? El diseñador siempre justifica ante el cliente cualquier elección de color, forma, tipografía… El creativo tiene que saber explicar sus razones pero también debe escuchar al cliente porque éste nos aporta mucho por su gran conocimiento de la empresa…. Es importante que el cliente se deje aconsejar y guiar por el especialista, en este caso por el diseñador. El diseñador le explicará qué representa un color, una tipografía, los fondos oscuros, los fondos claros… Ocurre que en ocasiones el cliente no entiende el trabajo de los diseñadores y diseñadoras, pero eso siempre tiene arreglo y se soluciona razonando, explicando, escuchando desde el mutuo respeto. Es importante que ambas partes entiendan que se complementan y de ese enriquecimiento saldrá el mejor resultado del encargo. — La importancia del diseño de la portada, de la contraportada y de la portadilla La portada en un informe o memoria —lo que en un libro equivale a su cubierta— es la cara que expresa el alma de ese trabajo. Es como el escaparate de una tienda. Toda portada debe resumir tanto el espíritu del trabajo que contiene esa memoria como la imagen de la empresa que lo ha realizado. En cuanto a la contraportada, se utiliza más como zona informativa de la corporación, aunque algunos libros juegan con ella y convierten la portada y la contraportada en una sola. Las portadillas nos sirven para cambiar de secciones y para que puedas llegar rápidamente al sitio al que quieres llegar cuando estás leyendo ese informe o memoria. Es una manera de dividir el texto en su conjunto para que sea más manejable…Y por ejemplo si las diseñamos con un color especial cuando las ves ya sabes que con cada una hay un cambio de sección, de temática. — ¿Para una empresa o una institución que cada año tiene la necesidad de publicar informes, memorias y otros documentos, que es más recomendable, disponer de una Guía de Estilo que dé coherencia a todos ellos o abordar proyectos integrales de diseño para cada necesidad puntual? Yo creo que la Guía de Estilo siempre debe estar. Y la guía no siempre lo deja todo cerrado, luego puedes modificar algún aspecto en algún proyecto pero seguir la guía es comunicar marca y facilitar las futuras lecturas y la comprensión. Y si hablamos de un informe económico es importante por ejemplo que todas las gráficas en los diferentes informes de cada año lleven una coherencia de colores, y evitar que cada gráfica sea de una misma manera. Yo creo que es una decisión muy correcta comenzar definiendo una Guía de Estilo para fijar la linea de la empresa o institución, y todavía más necesario cuando existen informes que se repiten año tras año, en los que fundamentalmente lo que cambian son los datos y los años. Pues estamos facilitando al receptor la comprensión del documento, además de hacer mucho más agradable la lectura.
El equipo de AREmuseum/FeelingLab cuenta con una nueva incorporación. Se trata de María Arroyo, que pasa a ser la nueva directora de arte para nuestros proyectos de aplicaciones (app’s) con realidad aumentada, reconocimiento de imagen y geolocalización, que realizamos junto a nuestro socio tecnológico Tyris Software. Proyectos smartcity, con los que le damos la vuelta al territorio para sonsacar de sus rincones todos sus valores culturales, históricos, medioambientales, etc – en función de los objetivos del proyecto-, valores que en ocasiones pasan desapercibidos.
María Arroyo reside y desarrolla su carrera profesional en Londres y como profesional destaca por su alta creatividad y fino criterio estético. Cuenta con un perfil poliédrico: por por un lado desarrolla su faceta como diseñadora de moda (Graduada con Honores en Fashion Design por la University of Creative Arts, Rochester, Inglaterra); y además, está familiarizada con las técnicas de ilustración digital 3D y video en 360º para visualización en VR (realidad virtual).
Perfomance inédita ARTEcomestible (frontal)
Tecnología, arte y moda
María cuenta con experiencia en la dirección de arte en instalaciones, video y performance. Formada en el Royal College of Art de Londres, su trabajo en la actualidad consiste en la intersección de la moda, el arte y la tecnología. Como artista maneja un lenguaje artístico versátil. Apuesta por la innovación y se centra en la búsqueda de nuevos espacios, especialmente en el ámbito digital, a través de los que consumir moda, arte, cultura… En la actualidad su linea de trabajo se basa en proyectos colaborativos con artistas, científicos, cocineros, músicos…
Cuenta con un premio de diseño de videojuego aplicado a la moda (proyecto 360 Character Design Challenge) y en la actualidad cursa el último año del Máster en Womenswear Fashion en el Royal College of Art y uno de sus actuales proyectos ha sido recientemente seleccionado por la firma internacional IFF (International Flavours and Fragances), y que desarrollará a finales de 2018 en París.
Uno de sus últimos proyectos es la performance #ARTEcomestible, todavía inédita. Una singular y original propuesta artística que combina arte, moda, tecnología y es una potente herramienta que suscita el debate. #ARTEcomestible consiste en una representación artística basada en la provocación y la incitación, una representación que alerta los cinco sentidos y que puede ser vista, tocada, olida, comida y escuchada. Una propuesta cultural disruptiva que busca generar debates en torno al arte, los museos, la oferta museística, el hambre de arte… en definitiva el #ARTEcomestible.
Preguntamos a María cómo se desarrolla su proceso creativo en un proyecto de app’s basado en el territorio:
1. ¿Cómo directora artística, ¿qué información necesitas tener a tu disposición para comenzar la fase creativa?
Normalmente todo proyecto creativo empieza con un concepto. Como directora creativa mi papel sería buscar el CORE, el hilo argumental estético, ese núcleo que va a unirlo todo. Siempre basado en el briefing (informe) que me aportáis. Y en función del mismo planteo la emoción que busca generar el proyecto, cuál es vuestro público ideal, su edad,… es decir a qué target os dirigís. Y sobre ese público me hago preguntas: dónde come, qué música escucha,… Y si hablamos de los sonidos que envolverán la app, deberé saber si queréis que sea sobrio, barroco, minimal, infantil, romántico, nostálgico, smart… Todas estas cosas tienen que estar muy claras en el briefing para que yo pueda desarrollar un proyecto a la medida del cliente.
Performance ARTEcomestible (visión trasera)
2. ¿Por dónde empieza tu proceso de creación? ¿Cómo seleccionas los colores, aspectos de texturas, vestuario de los protagonistas? ¿En qué te basas? ¿Qué te inspira?
Si hablamos de una app que se inspira en un territorio muy concreto me inspiraría en su cultura, en su arte, en sus pintores escultores, poetas, paisajes, sonidos… Una vez me digáis qué personajes son los principales, miraría de dónde vienen, cuál es su pasado y qué aspecto tendrían en el futuro, su carácter, de qué se rodean, qué comen, cómo se mueven etc.., todo esto me proporciona información sobre texturas, colores y formas que integro con el CORE, esto es en “las reglas del mundo que hemos creado” para que todo fluya estéticamente.
3. ¿Qué es lo que más feliz te hace cuando creas, cuando diseñas, cuando buceas entre los colores, las formas y la tecnología?
Lo que más me gusta es descubrir asociaciones entre imágenes de épocas diferentes, imagenes que no tienen nada que ver pero que son como fantasmas unos de otros y hacen el mismo ECO. Me gusta transmitir a la gente una sensación a través de una imagen. Y si hablamos de moda me gusta que mis modelos adopten la actitud que mis prendas les proporcionan, sin tener yo que decir nada,… Cuando eso pasa, entonces sé que he hecho un buen trabajo.
Si algo he aprendido en estos últimos cuatro años, en la gestión de proyectos culturales, es que este tipo de proyectos -como supongo los de otras disciplinas- son poliédricos. Aquí parafraseo y le doy la razón a mi directora de máster Mariana Pineda, directora en Fundación Contemporánea. Y son poliédricos porque sus muchas caras, sus muchas aristas, sus partes puntiagudas e incómodas… obligan a diseñar equipos multidisciplinares que permitan que el proyecto acabe teniendo la coherencia y consistencia que merece.
No hay más que observar esta imagen que tomo prestada del blog de Miguel Angel Morales (El Aleph-El País), para darse cuenta -en sentido figurado- de lo diferentes que pueden llegar a ser unos proyectos de otros, y la gran cantidad de dificultades que presenta toda ejecución, por sus singularidades. Es por ello que estos proyectos obligan a tejer una red de colaboradores, la cual nos da fuerza y renovación constante de ideas.
El valor de las ideas y de las personas
Hablamos de ideas pero en realidad hablamos de personas. Colaboradores sin cuyas aportaciones -las de cada uno de ellos- el proyecto tiene más difícil encontrar el éxito. Cada persona es un cúmulo de cualidades, de recursos, de soluciones, de ideas, de ilusiones, de fuerza… Saber construir el equipo, saber escuchar, tener la capacidad de comprender lo escuchado y de anticipar lo que cada miembro puede aportar… Ahí está la clave de un buen proyecto y, desde luego, de un buen gestor cultural o project manager.
Porque no solo van a ser suficiente esas cualidades que según los libros debe tener un project manager -ya sea en gestión cultural o en ‘Cómo plantar melones en Tomelloso’-, cualidades como: organización, liderazgo, comunicación, gestión del detalle,… Los gestores de proyectos -culturales o de otra índole- deben, debemos, tener empatía para percibir el valor de las personas del equipo.
Y otro aspecto muy importante cuando hablamos de proyectos es el valor de las ideas. Y la importancia de proteger las ideas. Nuestras ideas. Porque qué difícil resulta esto último. ¡Qué difícil!
Bisila Bokoko y Mayte Aparisi, en Madrid. 2017
Madrid, 27 de noviembre de 2017
En el mes de noviembre de 2017 mantuve en Madrid una reunión maravillosa, con una persona maravillosa. Una valenciana maravillosa. Bisila Bokoko. Una mujer nacida en Valencia pero cuya familia es originaria de la tribu Bubi de Malabo (Guinea Ecuatorial). Bisila es una profesional que ha desarrollado la principal parte de su carrera en Nueva York. Además de speaker internacional, es una mujer emprendedora que ayuda al éxito de aquellos proyectos en los que ella decide involucrarse, desde su agencia.
Con Bisila hablé de libros para niños y niñas, de educación, de didáctica, de storytellings, de países, de museos al aire libre, de nuevos museos africanos en España, de una idea de museo para Dubai y de Dubai 2020. Y tras nuestro encuentro propicié un segundo encuentro, esta vez ya con otros agentes, para analizar la posibilidad de hacer realidad mi idea de museo/exhibición al aire libre en Dubai, con una pareja de artistas que trabajan el mármol de Carrara. De ahí surgió una necesidad y una misión. Redactar un proyecto.
Ahora hay unos meses de mucho trabajo por delante, mucha investigación y documentación, mucha redacción y, lo más importante, la misión de crear un excepcional storytelling que dé sentido a esta idea, un storytelling que deberá tener en cuenta la oportunidad del momento, su ubicación geográfica, las condiciones del clima, los objetivos de Dubai 2020 y, lo mas importante, el pensamiento de Sheikh Mohammed bin Rashid Al Maktoum.
